• Neuerscheinung
    Neuerscheinung

     

    Patricia Sholl: Die Bearbeitung traumatischer Erfahrungen in der Kunsttherapie

     

Sie sind hier:

Intermedialität und Performativität in den Künstlerischen Therapien - Abstracts

Joy Kristin Kalu: Inszenierung trifft Krise. Das Subjekt der Enthüllung.

Zusammenfassung

In diesem Text spüre ich einer zentralen Strategie des Therapeutischen und insbesondere des therapeutisch motivierten Theaters nach: Dem Moment der Enthüllung, und damit einem Moment, das sich in therapeutischen Theaterprojekten als so zentral erweist, dass ich im Folgenden von einer Ästhetik der Enthüllung ausgehe. Der Artikel gliedert sich dabei in drei Teile: In einem ersten Teil werden theaterwissenschaftliche Begriffe und Konzepte vorgeschlagen, die sich für die Betrachtung theatertherapeutischer Arbeit als besonders fruchtbar erweisen. Hier wir das Verhältnis von Repräsentation und Präsens relevant – oder mit anderen Worten: von Zeichen, die eine konkrete, in der Inszenierung angelegte Bedeutung implizieren auf der einen, und von kontingentem, unverfügbarem Aufführungsgeschehen, das zuallererst auf sich selbst verweist, auf der anderen Seite. Im zweiten Teil dann folgen Schilderungen von Praxisbeispielen aus dem Kontext des therapeutischen Theaters, die mittels der zuvor eingeführten theaterwissenschaftlichen Begriffe analysiert werden. In den dritten Teil wird mit einem Performance-Beispiel eingeführt, das die Veröffentlichung des therapeutischen Subjekts überspitzt und kommentiert und das ich zum Anlass nimmt, die Ästhetik der Enthüllung kritisch einzuordnen. Das Thema der Tagung ImperfeKT werde ich hier in seiner Doppeldeutigkeit aufgreifen, um die genuine Krisenhaftigkeit theatraler Medialität mit der therapeutischen Praxis zu konfrontieren. Wie verhalten sich hier die theatrale Affinität zum Scheitern, also das Imperfekte theatraler Ausführung, und der Hang therapeutischer Enthüllungsarbeit zum Imperfekt, also zur Zeitform unabgeschlossener Vergangenheit, zueinander?

Staging meets crisis. The subject of exposure.

Within this text I will trace a central strategy of the therapeutic – in particular a central strategy of therapeutic motivated theater. What I am talking about are moments of disclosure and exposure. Moments that have revealed themselves as pivotal within the theater projects I accompanied during my research, originating what I call an aesthetics of exposure. I will exemplify this concept of aesthetics and question its ethic and aesthetic proportions. Hereby the concept of exposure unifies two layers of meaning. Firstly, it relates to psychoanalytical discourse centered on revealing the unconscious. Within the therapeutic context it is the therapist who analyses the client’s behavior and verbal statements. Secondly, the concept of exposure relates to a theater-therapeutic process within which insights, secrets, and challenges, which are attributed to the client’s crises, are disclosed and exposed in front of an audience. The audience is confronted with the client’s disclosure and exposure making them witnesses, confidants, and accomplices. Thus, on the one side, my article highlights contemporary dominant tendencies of staging disclosure in front of an audience – as is the case within Therapeutic Theater. On the other side, my article accentuates the areas of conflict between the sheltered and confidential space of therapeutic disclosure and its contemporary forms of staging exposure in front of an audience.The text is structured in three parts. Within the first part I will introduce terms, definitions, and concepts alluding to the field of theater studies, which emerge as fundamental within the analysis of theater-therapeutic work. Within the second part I will introduce a set of examples referring to the context Therapeutic Theater. I will analyze these examples relating to the terms, definitions, and concepts that I introduced in part one. Following, I will develop the concept of aesthetic exposure. The third part concludes my thoughts relating to the concept. It introduces Ann Liv Young’s performance, which comments on and exaggerates an aesthetics of exposure and thus critically classifies the concept. Within all three parts, my article relates to the conference’s title ImPerfect in a double sense broaching the issue of theatrical inaccessibility and the genuine critical nature of confronting theater and therapeutic praxis.

zurück

Jörg Holkenbrink, Anna Seitz: Standard Abweichungen

Zusammenfassung

Der vorliegende Beitrag versteht sich als eine schriftliche Neuinszenierung einer Performance Lecture auf der Tagung ImperfeKT. Die Performance Lecture spielte mit Formaten der Aufführung von Wissen. Peter Sinapius trug zunächst einen ihm selber unbekannten Text von Anna Seitz und Jörg Holkenbrink vor, den er unmittelbar kommentierte, während Autorin und Autor ihm zuhörten. Danach wurden in zwei weiteren Schritten der Autorin und dem Autor und schließlich dem Publikum Gelegenheit gegeben, nach vergebenen Regeln in eine Diskussion über den Vortrag einzutreten. Der vorliegende Text folgt diesem Format, indem diesmal die schriftliche Fassung des Vortrags Grundlage eines Diskurses zwischen den Urhebern des Textes und Peter Sinapius ist.   Kerngedanke des Textes ist: „Wissen, das nicht „aufgeführt“ wird, ist schiere Information.“ Ein Datenträger kann nichts wissen. Wissen ist durch Subjekte aufgeführte und angewandte, also immer auch gestaltete Information. Die AutorInnen verhandeln das Verhältnis von Wissen und Erkenntnis und untersuchen sowohl lineare, nonlineare und translineare Prozesse der Wissensgenerierung. Dabei steht ein in weiten Teilen der universitären Bildungslandschaft vertretenes Lernverständnis, dass vor allem linearen und reproduzierbaren Lernprozessen den Vorzug gibt, einem Verständnis gegenüber, dass auf Subversion, Lücken und Überraschungen setzt.

Standardized variations. Possibilities and limitation regarding what we can do and know 

This article understands itself to be a written revival and staging of the performance lecture performed at the conference ImperfeKT. While experimenting with formats of performing knowledge, Anna Seitz and Jörg Holkenbrink invited Peter Sinapius to read and comment on a text that was unknown to him. Being the text’s authors, Seitz and Holkenbrink listened to Sinapius’s lecture and comments in situ. Following, both the authors and the audience had the opportunity to engage in a discussion relating to particular rules that had been made transparent prior to the lecture. 

The present article continues along this format, as the lecture script constitutes the basis for discourse between the two authors and Peter Sinapius. The central idea of the text is: “knowledge that is not performed, is only information”. Data carriers cannot know anything. Rather, knowledge is information that subjects perform, apply, and always shape and devise. On account of this, the authors negotiate the relationship between knowledge and insight and explore both linear, non-linear as well as trans-linear knowledge formation processes. They challenge often university-bound concepts of learning, which advocate linear and repetitious learning processes instead of learning concepts that support subversion, gaps, and surprises.

Übersetzung: Lucia Rainer

zurück

Alexandra Hopf: Krise und Verletzlichkeit

Zusammenfassung

Der folgende Artikel bezieht den Begriff Performativität auf die beiden Beiträge von Joy Kristin Kalu und Jörg Holkenbrink, Anna Seitz und Peter Sinapius, die dem Themenschwerpunkt Repräsentation und Aufführung: Werk und Prozess in Kunst und Therapie zugeordnet sind. Zunächst wird der Begriff Performativität erläutert und im Kontext der Kunsttherapie verortet. Joy Kristin Kalus Gedanken zur Enthüllung einer Krise in theatertherapeutischen Projekten, die sie in ihrem Beitrag Inszenierung trifft Krise. Das Subjekt der Enthüllung anstellt, werden in die kunsttherapeutische Praxis übersetzt und erweitert. Ausgehend von den Gedanken von Jörg Holkenbrink, Anna Seitz und Peter Sinapius in Standard Abweichungen - über die Möglichkeit und Grenzen dessen, was wir tun und wissen können wird der Begriff der Performativität auf die Wissensproduktion in der kunsttherapeutischen Praxis und Lehre übertragen. Die Unverfügbarkeit von Wissen in der Kunsttherapie, dem künstlerischen Erfahrungswissen und dem kunsttherapeutischen Anwendungswissen, erweist sich dabei als relevant.

Crisis and vulnerability - starting points of development and production of knowledge in artistic therapies 

The following article refers the term of performativity to the two contributions by Joy Kristin Kalu and Jörg Holtenbrink, Anna Seitz and Peter Sinapius on the subject of Representation and Staging: Work and Process in Art and Therapy. First, the concept of performativity is explained and placed in the context of art therapy. Joy Kristin Kalu's thoughts on unveiling a crisis in theatrical therapeutic projects in Staging Meets Crisis. The Subject of Disclosure are translated and expanded into Art Therapy Practice. Starting with the thoughts of Jörg Holtenbrink, Anna Seitz and Peter Sinapius in Standardized variations. Possibilities and limitation regarding what we can do and know, the concept of performativity is transferred to the production of knowledge in art therapy teaching. The unavailability of knowledge in art therapy, such as artistic experience and art therapy application knowledge, proves to be relevant.

zurück

Hans Dieter Huber: Welterzeugung durch sensomotorisches Handeln

Zusammenfassung

Wahrnehmung ist keine passive Reizaufnahme, sondern ein aktives, verkörpertes und eingebettetes Handeln. Durch dieses Wahrnehmungshandeln erzeugen Akteure die Präsenz und Absenz ihrer Lebenswelt. Wahrnehmung ist grundsätzlich multisensorisch. Alle Sinne sind gleichzeitig am Wahrnehmungshandeln beteiligt: die Sinnesinformationen werden multisensorisch integriert. Darüber hinaus gibt es auch Hinweise dafür, dass unsere Fantasie und unser Gedächtnis multisensorisch aufgebaut sind. Multisensorisches Lernen sollte daher einen hohen Stellenwert bekommen, da sie gleichzeitig die Ausbildung der Fantasie und des Gedächtnisses unterstützt.

Worldmaking through sensorimotor action

Perception is not a passive stimulus, but an active, embodied and embedded action. Through perceptual actions, actors create the presence and absence of their living environment. Perception is fundamentally multisensory. All senses are simultaneously involved in perceptual action: Sense information is integrated multisensorically. In addition, there is evidence that our imagination and our memory are multi-sensory. Multisensory learning should therefore be given a high priority as it simultaneously supports the development of fantasy and memory.

zurück

Lucia Rainer: Entschuldigung, Ihr Bild hängt schief

Zusammenfassung

Der Ausgangspunkt der Recherchen, welche ich im Rahmen des vorliegenden Artikels vorstelle, sind künstlerische Interventionen der Studentinnen des Masterstudiengangs „Intermediale Kunsttherapie“ an der MSH Medical School Hamburg. Die künstlerischen Interventionen waren Teil eines partizipativen und intermedialen Projektes mit dem Titel „Kunstapotheke“. Im Zusammenhang dieses Projektes nutzten die Studentinnen das Format der Intervention als Sammelbegriff für eine Vielzahl künstlerischer Praktiken. Mit diesen Praktiken wurde temporär in bestehende Verhältnisse eingegriffen mit dem Ziel, das Bestehende kurz- und mittelfristig zu verändern. Mit der Methodologie der künstlerischen Forschung gestalteten die Studentinnen Interventionen und untersuchten, wie individuelle Interventionen mögliche Alternativen zu bestehenden Verhältnissen aufzeigen können. Im Rechercheprozess erwiesen sich dabei Praktiken des Aktualisierens und Reformulierens als zentral. Es zeigte sich, dass der dystopisch-verfremdende Charakter des Aktualisierens und Reformulierens rahmenreflexiv ist und Rahmenreflexivität Veränderungsprozesse nicht nur hervorruft, sondern immer auch gestaltet. Diese Beobachtungen sind auf das Konzept einer Ästhetik des Performativen zurückführen, welches im vorliegenden Artikel erläutert und mit der Rahmentheorie Erving Goffmans verknüpft wird sowie einem Konzept von kultureller Übersetzung, das seinen Ausgangspunkt im Dekonstruktivismus findet. 

Excuse me, your picture is aslant: How artistic framing and translation practices devise transformation processes.

The starting points of my research, discussed within this article, are artistic interventions performed by students enrolled in the Masters degree “Cross-Media Art Therapy”. The artistic interventions were embedded within a participatory and cross-media project titled “art pharmacy”. In the frame of this project, the students used different interventionist formats to explore artistic practices that temporarily interrupt actual occurrences and re-align the existing in the short-term and middle-term. Relating to artistic research methodologies, site-situated artistic practices examined how individual interventions are capable of revealing possible alternatives to existing realities. Practices of actualization and reformulation emerged as central to the research process, as their dystopic-alieniating character is inevitably frame-reflective and frame reflection not only brings forth, but always already composes change. These observations follow the concept of the transformative power of performance and its aesthetics, which the present article links to Erving Goffman’s theory of frame analysis and the concept of cultural translation, which finds its point of origin within philosophical concepts of deconstruction.

zurück

Peter Sinapius: Intermedialität und Intermodalität

Zusammenfassung

Der Beitrag untersucht Voraussetzungen, Bedingungen und Rahmungen künstlerisch therapeutischer Praxis. Er bezieht die Gedanken der vorausgegangenen Aufsätze von Hans Dieter Huber und Lucia Rainer auf das Thema Intermedialität und Intermodalität in den Künstlerischen Therapien. Dabei geht er in zwei Schritten vor: In einem ersten Schritt werden intermediale und intermodale Praktiken in den Künsten aus einer kunstgeschichtlichen und medienwissenschaftlichen Perspektive skizziert. In einem zweiten Schritt werden diese Praktiken auf die Therapie als einen zunächst kunstfernen Kontext bezogen und damit ein Licht geworfen auf Rahmungs- und Übersetzungspraktiken in der künstlerisch therapeutischen Praxis. Es wird gezeigt, dass Intermedialität und Intermodalität sich wechselseitig bedingen und wie eine intermediale Praxis auf ein Wahrnehmungssystem trifft, das multisensorisch und sensomotorisch agiert und nicht nur Wirklichkeit aufnimmt, sondern auch Wirklichkeit und damit auch Sinn und Bedeutung erzeugt.

Intermediality and Intermodality in Art Therapies - Requirements, conditions and acts of framing

The article examines requirements, conditions and acts of framing of artistic-therapeutic-practice. It relates Hans Dieter Huber’s and Lucia Rainer’s articles to the topics of Intermediality and Intermodality in Art Therapies and proceeds in two steps: Firstly, it outlines intermedial and intermodal practices in the arts from an art-historical and media-scientific perspective. Secondly, these practices are related to therapy as a non-artistic context, providing information on framing and translation practices within artistic therapeutic praxis. The article identifies intermediality and intermodality as mutually dependent. They depict an intermedial practice that encounters a system of perception that acts multisensory and sensorimotor and creates reality.

zurück

Karen van den Berg: Damit wir uns besser fühlen?

Zusammenfassung

Mit dem social turn in den Künsten hat sich nicht nur die Position sozial engagierter Kunst innerhalb des Kunstfeldes verschoben, es lässt sich auch ein neues Kunstverständnis ausmachen, das auf eine Poietik des Handels setzt. Der Beitrag „Damit wir uns besser fühlen? Eine kleine Kartierung sozial engagierter Kunst“ umreißt die Entwicklungen sozial engagierter Kunst. Dabei schlägt er eine Typologie verschiedener Ansätze vor und fragt nach den Herausforderungen und Fallstricken, mit denen sich die unterschiedlichen Ansätze zwischen Sozialer Plastik, Useful Art und den New Creative Commons konfrontiert sehen.

Does it make us feel better? - Mapping socially engaged art on a small-sized scale.

The so-called social turn has not only altered the position of socially engaged art within the contemporary art field. It has also given rise to a new understanding of art, more precisely, one that aims at poietics of action. The article „So that we feel better? A Small Guide to Socially Engaged Art“ outlines recent developments within the field of socially engaged art. It does so by proposing a typology and by looking closer at the challenges and pitfalls that various approaches such as Social Sculpture, Useful Art and the New Creative Commons face.

zurück

Jens Wendland: Über das Zueinander der Dinge

Zusammenfassung

Der in der Welt agierende Mensch: Der denkende, imaginierende, lustvolle, poetische, irrationale, liebende, getriebene, tastende, lachende, träge, spitzfindige, kotzende, schelmische, verzweifelte, zärtliche Mensch. 

Selbst und Welt sind dabei nicht gegeneinander abgegrenzt, sondern konstituieren sich in wechselseitiger Einflussnahme. Sie stellen ein unauflösbar Verwobenes dar, und dennoch ist Ihnen eine prinzipielle Geschiedenheit eigen. Daher kann auch nicht von einem Automatismus des Miteinander- Schwingens von Ich und Welt ausgegangen werden, sondern von einem erst zu entwickelnden und immer wieder neu zu belebenden Resonanzverhältnis. Künstlerische Praktiken sind ein zentrales Feld eines solches Austarierens von Einflussnahme und Aufnahme, von Impuls und Widerhall.

Über künstlerisches Praktiken reden meint, unser Weltverhältnis zu erörtern. Das Verweben von Ich, Du und Ding in einem spezifischen Moment soll hier als Herstellen von Situationen bezeichnet werden. In der Situation fallen die Akteure, Prozesse und Ziele des Handelns in Eins. Eine Aufteilung in Künstler und Rezipient, in Schaffensprozess und Werk wird obsolet.

Im Zusammenhang künstlerischen Agierens stellt sich die Frage nach Konstellationen, die in vornehmlicher Weise einen Möglichkeitsraum für das Entstehen von Situationen bilden. Gibt es Umstände, die dem Beginn des künstlerischen Handelns so vorangestellt sind, dass sie als Voraussetzung und Impuls zugleich verstanden werden können? Oder anders formuliert: Was geht einem In-Bewegung-Kommen voraus? 

Die Versammlung der Dinge, die im Hier und Jetzt unser Verhältnis zur Welt grundieren, erhält hier eine besondere Bedeutung. Im Netz der Beziehungen und Verweise fällt den Dingen in ihren vielfältigen Konstellationen die Rolle eines Auslösers zu. Die Dinge katapultieren uns aus dem Trott des Gewohnten heraus und lassen uns etwas Neues beginnen. Etwas rührt uns an und bringt das zum Klingen und zur Äußerung, was sich in uns angesammelt hat. Gedachtes, Erfundenes, Erahntes, Gefühltes und Erinnertes löst sich in einer formenden Geste. Wie müssen die Dinge geordnet sein, um zum treibenden Impuls einer solche Entklemmung, eines Freisetzens der uns eigenen Möglichkeiten, zu werden?

Aus der Vielzahl möglichen Kombinationen von Dingen blitzen hier drei starke, grundsätzliche Realisationen des Wie-Seins der Dinge in der Welt auf: die Akkumulation, die Absenz und die Korrelation.

Diese Konstellationen der Dinge bilden einen Schwellenraum, der sich durch eine Differenz zum Gewohnten auszeichnet, Verdichtung, Lücke und Riss zugleich, und damit eine glückliche Schwachstelle im System bildet als Voraussetzung des Schöpferischen.

On the relation of things

Object constellations as the starting point for artistic practice

Humans navigating the world: thinking, imaginative, sensual, poetic, irrational, loving, driven, fumbling, laughing, lethargic, cunning, barfing, mischievous, desperate, fondling humans.

Inner self and the world are not delimited, but create each other with reciprocal influence. They are inextricably interwoven, but simultaneously separate. Thus, it is unrealistic to assume automatic-harmonious oscillations of the self and the world. Rather, their resonance behavior is a developing one that must always be newly stimulated causing artistic practices to evolve around processes of influence and absorption and impulse and echo.

Talking about artistic practices means scrutinizing our relationships to the world. Processes of interweaving I, you and thing within a specific moment is understood as the creation of situations. In a situation, the protagonists, processes and goals of acting coincide. Separating between artists and recipients, creative process and artwork reveals itself as obsolete.

In the context of artistic operation, we are confronted with constellations which encompass a space of possibility for creating new situations. Are there circumstances that are prior to artistic processes and simultaneously emerge as their precondition and stimulus? To put it another way: How are creative actions triggered?

The assembly of objects, which prime our relationship to the world here and now, holds central significance. Within their web of relations and references, the objects take on the role of a catalyst in their diverse configurations. 

Objects catapult us out of our familiar routines and let us begin anew: Something moves us, resonates within us and expresses what we have suppressed. Thoughts, fabrications, intuitions, feelings and memories dissolve within expressive gestures. How do objects have to be rearranged in order to evolve into impellent impulses of disinhibitation, which can reveal itself as a liberation of our own capabilities?

Out of the multitude of possible object combinations three noteworthy and fundamental manifestations stand out: accumulation, absence and correlation. 

These constellations form a threshold, a transition, which is characterized by constant differences to the ordinary; they simultaneously emerge as consolidation, gap, and fracture and thereupon reveal themselves as serendipitous weak points within the system. This serendipity is the precondition of creativity. 

zurück

Constanze Schulze: Gruppen-Kunsttherapie im Spiegel von Resonanz

Zusammenfassung 

Der Beitrag beginnt mit einer Skizze zum Resonanz-Begriff und seinem metaphorischen Gebrauch in aktuellen interdisziplinären Diskussionen. Vor dem Hintergrund der Komplexität und der relationalen Bestimmung des Begriffs der Resonanz, werden in einem weiteren Schritt des Beitrages jene Aspekte des Begriffs der Resonanz herausgegriffen und genauer betrachtet, die für die Anwendung im Bereich der Therapie und speziell für die künstlerisch-therapeutische Praxis relevant und insgesamt bereichernd erscheinen. Dabei liegt aus systemischer Sicht die Gewichtung der Betrachtung auf einzelnen Phänomenen und Wirkmöglichkeiten von Resonanzen in Bereichen der Interaktion und Kommunikation. Entsprechend richtet sich das Interesse aus prozessorientierter Perspektive auch auf die voraussetzungsvollen Bedingungen und Herausforderungen eines guten Resonanzgeschehens, auf die Art und Weise, in der sich Menschen zur Welt, zu anderen(m), sowie zu sich selbst in Beziehung setzen und sich als selbstwirksam erfahren können. Eine besondere Beachtung erhalten dabei die Gedankengänge der vorhergehenden Beiträge von Jens Wendland und Karen van den Berg. In einem letzten Schritt werden grundlegende Überlegungen und davon ausgehende Konsequenzen im Hinblick auf die Anwendung des intersubjektive fokussierten Verständnisses von Resonanz für die künstlerisch-therapeutische Interventionspraxis herausgestellt. 

Abstract

The contribution begins with a sketch of the concept of resonance and its metaphorical use in current interdisciplinary discussions. Based on the complexity and relational determination of the concept of resonance, the claim to completeness cannot be fulfilled within this framework. Rather, in a further step of the article, those aspects of the concept of resonance that appear relevant and enriching for the application in the field of therapy and especially for the artistic-therapeutic practice are selected and examined in more detail. From a systemic point of view, the emphasis is placed on the consideration of individual phenomena and the possible effects of resonances in areas of interaction and communication. Accordingly, the interest from a process-oriented perspective focuses on the preconditional conditions and challenges of a good resonance event, on the way in which people can relate to the world, to others and to themselves and experience themselves as self-efficacious. Particular attention will be paid to the thoughts of Jens Wendland and Karen van den Berg in their previous contributions. In a final step, fundamental considerations and their consequences for the application of the intersubjective, focussed understanding of resonance for the artistic-therapeutic intervention practice are highlighted.

zurück

Künstlerische Forschung

Prof. Dr. Lucia Rainer

Telefon 040 361 2264 9442 
Telefax 040 361 226 430
E-MailE-Mail senden

Neuerscheinung